Краткая биография
Направление деятельности мастера
- Московский концептуализм
- Тотальные инсталляции
Рекорды на аукционах, цена картин Кабакова
Экспертиза и продажа картин Кабакова
- Как оценить картину
- Как и где продать картину
Инсталляции и картины концептуалиста Ильи Кабакова
Илья Иосифович родился в 1933 году в Днепропетровске. В военное время он вместе с матерью эвакуировался в Ленинград, куда перевезли и Художественную школу при Ленинградском институте живописи им. Репина. В десятилетнем возрасте мальчика приняли в эту школу, а через два года перевели в Московскую среднюю художественную школу. Позже юноша окончил художественный институт имени Сурикова в Москве.
Илья Кабаков (род. в 1933 г.).
По своему характеру и мировоззрению Кабаков резко отличался от художников-классиков. Еще в 1960-х годах он активно выставлял свои работы на диссидентских выставках в своей стране и за рубежом, а позже работал в мастерской Юло Соостера, славящейся своим непризнанным обществом искусством.
В 1970-х годах начал работу над несколькими сериями картин, посвященными жизни в коммунальных квартирах и ЖЭКу. А в 1980-х он увлекся зарождающимися в те годы инсталляциями и стал лидером советского концептуализма. Инсталляции открыли Кабакову новые перспективы. Он получил вначале грант от Австрии и построил там инсталляцию «Перед ужином», затем стипендию от Франции и Германии. С 1988 года художник постоянно работает за рубежом.
В 1990-х годах Кабаков получил всемирное признание. Его работы экспонировались на множестве выставок в Европе и США. В России последние выставки проходили в 2004 году в Санкт-Петербурге, в 2012 и 2017 году в Москве. В 21-м веке художник получил премию Оскара Кокошки от Австрии, Императорскую премию от Японии, титул кавалера Ордена искусств и литературы от Франции, орден Дружбы от России и другие награды.
В настоящее время Илья Кабаков считается самым известным русским художником на Западе. Его работы находятся в крупнейших музеях России и США, регулярно представляются на выставках, а в ходе торгов уже неоднократно уходили за сумму, превышающую миллион долларов (об этом далее). В последние годы он часто работает в соавторстве с супругой Эмилией.
Направление деятельности мастера
Московский концептуализм
Понятие «московский концептуализм» появилось в 1979 году. Представители этого направления объявили произведения искусства средством, с помощью которого изучалась суть искусства. С этой целью концептуалисты создавали инсталляции (подробнее о них ниже), проводили акции и исследовали реакцию на них людей, а также мотивировали общество к обсуждению проблем искусства.
Помимо инсталляций Кабаков воздействовал на зрителей с помощью ввода в картины текста. Так появились работы «Ответы экспериментальной группы», «Где они?» и другие. К концептуальным произведениям относятся и альбомы художника — изображения с текстом, объединенные одной тематикой.
Еще одной отличительной чертой творчества Кабакова является работа от лица вымышленный персонажей: халтурщиков-соцреалистов, придуманных художников и пр.
Тотальные инсталляции
Переехав в конце 1980-х годов за границу, Кабаков получил возможность воплотить свои грандиозные проекты в жизнь. За два десятка лет художнику удалось создать более пятисот инсталляций, которые он называл тотальными.
Инсталляции представляют собой сконструированные художником миры, которые зритель может увидеть и почувствовать изнутри. Например, известная инсталляция «Человек, улетевший в космос из своей комнаты» — это комната с пробитым потолком, в центре которой создано устройство для того, чтобы вырваться наружу, а на стенах висят картинки, помогающие понять состояние живущего в нем человека. Эта инсталляция символизировала желание советского человека вырваться из пут давящей на него коммуналки и страны, давящей своими требованиями и идеалами.
И.И. Кабаков. Инсталляция «Человек, улетевший в космос из своей комнаты». 1985 г.
В 2006 году данная инсталляция демонстрировалась в музее Гуггенхайм (Нью-Йорк) вместе с работами таких известных российских художников, как Малевич, Репин, Брюллов, что способствовало не только росту популярности Кабакова, но и закреплению за ним статуса важного представителя художественного общества.
Другие известные инсталляции автора: «Туалет», «Случай в коридоре возле кухни», «Объекты из его жизни», «Десять персонажей», «Как встретить ангела» и прочие.
Илья и Эмилия Кабаковы. Инсталляция «Туалет». 1992 г.
Рекорды на аукционах, цена картин Кабакова
Илья Иосифович считается самым дорогим из ныне живущих русских художников. Выясним, сколько стоят картины Кабакова на современном арт-рынке.
Начнем с работы «Собакин», представленной на торгах известного аукционного дома Phillips. Это диптих, созданный с помощью эмали на холсте, демонстрирующий игру в псевдодокументалистику. С левой стороны художник показывает аккуратно переписанные анкетные данные вымышленного советского персонажа, а справа —собачку, символизирующую маленького человека перед лицом огромного бюрократического аппарата.
Произведение экспонировалось на выставке в Нью-Йорке в 1990 году. Оно имело успех на торгах и при предварительной оценке 300-500 тыс. фунтов стерлингов ушло за 458 тыс. фунтов (662 тыс. долларов).
И.И. Кабаков. Диптих «Собакин». 1980 г.
К следующим крупным продажам относится уход работ «Праздники №6» и «Праздники №10». Это произведения из серии «Праздники», состоящей из 12 картин. По замыслу художника, картины этой серии нужно вешать в замусоренной комнате с перевернутыми стульями и столами. Работа «Праздники №6» ушла на торгах Sotheby`s в 2013 году за 962 тыс. фунтов (1,5 млн долларов) при эстимейте 0,8-1,2 млн фунтов.
И.И. Кабаков. «Праздники №6». 1987 г.
Картину «Праздники №10» продали на аукционе Phillips в 2011 году за полтора миллиона фунтов (2,4 млн долларов) по нижней границе эстимейта. С 1987 года она экспонировалась на множестве выставок разных стран мира.
И.И. Кабаков. «Праздники №10». 1987 г.
Еще дороже была продана работа «Номер Люкс» на торгах Phillips в 2007 году. Художник создал диптих в характерной для него живописной манере, изобразив люксовый номер и наложив на него текст рекламы черноморских курортов. Произведение имело огромный успех на торгах и при эстимейте 400-600 тыс. фунтов ушло за 2 млн фунтов (4 млн долларов).
И.И. Кабаков. «Номер люкс». 1981 г.
Наконец, рекордной считается продажа работы «Жук» все на том же аукционе Phillips в 2008 году. Это практически фотографическое изображение жука на листе, снабженное детским стишком в стиле Кабакова. Жук символизирует человека, желающего оставаться свободным от любых рамок, в том числе и рамок живописи. Это произведение многократно представляли на выставках, а также включали в каталоги и книги о московском концептуализме и искусстве советских художников-оппозиционистов.
Хотя годом ранее за 2 млн фунтов ушла работа «Номер люкс», все же уход «Жука» стал сенсаций, ведь первоначальный эстимейт 1,2-1,8 млн фунтов был превышен вдвое. Картина ушла с торгов за 2,9 млн фунтов (5,8 млн долларов), став самой дорогой работой художника.
И.И. Кабаков. «Жук». 1982 г.
Если говорить о меньших по цене уходах, то и они происходят регулярно на разных аукционах. Например, на торгах Phillips были проданы картины: «Торжественная картина» (241 тыс. долларов), «Мы готовы летать» (29 тыс. долларов), на Christie`s «Битва в квартире (68 тыс. евро), «Как познакомиться с ангелом» (24 тыс. фунтов), «Два друга» (250 фунтов), на Sotheby`s «Сборщики грибов» (9 тыс. фунтов), «Окно» (5 тыс. фунтов) и прочие.
И.И. Кабаков. «Как познакомиться с ангелом». 1933 г.
Возвращаясь к вопросу о том, сколько стоят картины Кабакова, мы можем сделать выводы, что они весьма популярны на рынке живописи и нередко уходят с превышением эстимейта. Конкретные произведения уходят по разным ценам от нескольких сотен до нескольких миллионов долларов. В следующем разделе мы разберем, как и где продать картину Кабакова.
Экспертиза и продажа картин Кабакова
Как оценить картину Кабакова
Ранее мы выяснили, что в работах художника наблюдается значительный разброс по цене. Чтобы не прогадать со стоимостью конкретного произведения, рекомендуем заказать профессиональную экспертизу. Эта процедура предполагает исследование картины по самым разным параметрам и может быть частичной или комплексной. В случае частичного исследования оценивается один или несколько наиболее значимых параметров, например, подтверждается подлинность картины. Оценить картину Кабакова по множеству характеристик поможет комплексное исследование. Оно особо востребовано в случае, если произведение претендует на высокую цену.
Как и где продать картину Кабакова
Если вам не хочется возить картину по выставкам или готовить к аукционам, предлагаем более простое решение. Представьте произведение обширной аудитории ценителей искусства, разместив информацию о ней на нашей площадке. Для этого вам достаточно подготовить фотографии и описание картины, а также определиться с ценой.
В случае желания получить деньги сразу, вы можете продать произведение нам за часть его стоимости.
Подробности того и другого способа продажи описаны в разделе о реализации картин Кабакова.
Для заказа экспертизы картины Кабакова, размещения информации на нашей площадке или по другому вопросу позвоните нам по телефону: +7 (495) 969-14-05.
Начиналось все с детской иллюстрации — детская литература была тем гетто художественной жизни, на которое меньше, чем на монументальную живопись или взрослую литературу, распространялся идеологический контроль.
Без названия, 1969 год
Кроме того, для художников-графиков это был лучший и даже единственный способ зарабатывать себе на жизнь. И именно из рисования для детей родился изобразительный мир Кабакова, который закончил графический факультет Суриковки и работал детским книжным иллюстратором начиная с середины 50-х. Его первые рисунки, сделанные в середине 60-х «для себя» — то есть от имени художника, а не оформителя, — гораздо ближе не к концептуализму, а к сюрреализму магриттовского толка.
«Ответы экспериментальной группы», 1970–1971 годы
Есть мнение, что работа «Ответы экспериментальной группы» — это вообще самое первое произведение советского концептуализма. В ней уже нет никаких картинок, а только записанные аккуратным бюрократическим почерком фразы. Игра с языком — это уже, действительно, чистый концептуализм, такой, каким он был в это время и на Западе. Но кабаковская работа тесно связана с окружавшей его советской культурой. Это пародия на эстетику объявлений, таблиц и расписаний. Все в советском мире определялось спускаемым сверху планом, который требовал огромного количества директив, инструкций, графиков. И Кабаков увидел жизнь как текст, втиснутый в гигантскую всеохватную таблицу. Люди в ней были уже не людьми из плоти и крови, а гражданами, которые сводились к строчкам в каких-то графах, именам, фамилиям и отчествам.
«Полетевший Комаров», 1981 год
Самая интенсивная художественная жизнь происходила в те времена не в галереях, которых вообще-то и не было, а в мастерских, куда приходили друзья и знакомые художников. Так и возник особый концептуалистский жанр — альбомы, которые автор страница за страницей показывал в тесном кругу своим гостям, зачитывая вслух подписи к картинкам. В знаменитых кабаковских альбомах разворачиваются целые истории про выдуманных персонажей, «маленьких» советских людей с типическими фамилиями, которым вдруг посреди серых будней открывается какая-то иная, прекрасная и волшебная реальность.
«Расписание выноса помойного ведра», 1980 год
Одна из любимых кабаковских линий — издевательское обличение коммунального быта. Коммунальная кухня и тема мусора идут сквозь его творчество красной нитью. Тусклый и неказистый быт Кабаков превращает в тошнотворную метафору советской жизни, в которой, если верить художнику, не остается никакого места для человеческих чувств. Вынос ведра, который по очереди осуществляется воображаемыми жильцами некоей метафизической коммуналки, Кабаков из частного обстоятельства повседневной жизни превращает в неумолимый и тотальный закон, который подчиняет себе всю жизнь человека без остатка.
«Человек, улетевший в космос из своей квартиры», 1985 год
В 80-х Кабаков развивал свое ноу-хау — жанр тотальной инсталляции, самая известная и диссидентская из которых — «Человек, улетевший в космос из своей квартиры». Тут опять противопоставляется ограниченное убожество быта и дерзновенность мечтаний маленького человека, который из подручных средств соорудил летательный аппарат и, пробив потолок своей оклеенной социалистическими плакатами каптерки, умчался куда-то в свободную и беспредельную неизвестность. Сейчас понятно, что космосом оказалась не абстрактная бесконечность, а вполне конкретная страна неограниченных возможностей — Америка, куда художник и отбыл в 1987 году.
«Анна Евгеньевна Королева: Чья эта муха?», 1987 год
Мушиные работы у Кабакова особенно часто встречаются в 80-х и 90-х. Борис Гройс считает, что в творчестве художника мухи играют роль ангелов. Но если это и ангелы, то скромные и ни на что не претендующие ангелы атеистической эпохи застоя. Муху можно наделить мистическими качествами, намекнув, что она — засланец иного мира. Любимая Кабаковым форма вопроса-ответа («Чья эта муха?» — «Это муха Николая») отсылает нас к учебникам по иностранному языку, где и Анна Евгеньевна Королева, и Сергей Михайлович Хмельницкий — это безличные имена, фамилии и отчества, выдуманные автором. В синем, напоминающем «небеса» в русских церквях пространстве картины этот автор выступает как бы невидимым творцом, демиургом. Но все, что он может сотворить, — это довольно унылый и пустынный мир, в котором и муха сойдет за ангела.
Если Кабаков берется за кисть и пишет маслом, то он никогда не делает этого от своего имени — вместо этого он выдумывает себе лирических героев или персонажей. Например, серия картин «Праздники» как будто бы написана воображаемым соцреалистом-халтурщиком. Уборка урожая, быт молодой семьи и другие сюжеты из советской иконографии как будто сделаны для какого-нибудь праздничного стенда в ДК. Но праздничного ощущения нет, поскольку по неким причинам холсты пролежали в мастерской много лет и краски потускнели. Тогда этот воображаемый художник наивно украсил поверхность холстов цветными фантиками, надеясь оживить картины. Кабакову эти фантики, понятное дело, нужны, только чтобы сильнее обострить отчужденность от официальной советской живописи.
«Красный вагон», 1991 год
Одна из ранних эмигрантских инсталляций Кабакова была сделана для дюссельдорфского Кунстхалле. Кабаков умело создавал тотальный образ необыкновенной и пугающей страны, из которой он прибыл. И его проекты для европейских и американских музеев рассчитаны именно на пересказ советского опыта западному зрителю. «Вагон» следовало читать как метафору трех ступеней развития советской культуры, как ее понимал Кабаков. На входе в вагон стоит сложная, напоминающая конструкции Лисицкого лестница, идущая в небо, — это стремящаяся в будущее утопия авангарда. Внутри вагона темно, вместо окон висят соцреалистические холсты и играют бравурные сталинские марши 30–40-х годов — это искусственная ширма социалистического реализма. А на выходе из вагона валяется груда мусора, оставшаяся от постройки вагона, — это послевоенные руины сталинской культуры.
«Туалет», 1992 год
Если «Человек, улетевший в космос» — это фантазия о побеге в прекрасное и свободное будущее, то «Туалет» — это уже ретроспективный взгляд из «нормального настоящего» (читай: эмиграции) в сюрреалистическое прошлое. Сравнение советской жизни с уютно обустроенным общественным сортиром — благодаря своей предельной понятности — пользовалось в западных музеях огромным успехом: дополнительных объяснений для того, что имел в виду автор, тут действительно не требуется.
«Жизнь мух», 1992 год
Получив на Западе ресурсы для конструирования целых миров, Кабаков дал волю своим демиургическим амбициям и немедленно сделался повелителем мух. Он развил тему, которая встречалась у него до того только в рисунках, до настоящего монументального эпоса. Это было уже не одинокое маленькое насекомое, а целая мушиная цивилизация со своей историей и таинственными законами, по которым строились траектории полетов мух, способных образовывать в пространстве отдающие эзотерикой фигуры.
Человек интеллигентный и далекий от любого художественного радикализма, Кабаков иногда, чтобы изобразить грубость и лицемерие действительности, ругается в своих произведениях матом. Правда, делает это не прямо, а прикрывает неприличные слова зайчиками или цветочками или ругается не от собственного лица, а от лица своих персонажей. Но получается это у него чересчур литературно: «Иди на …, оставь меня!» — так вообще-то никто не говорит.
«Игра в теннис», 1996 год
В теннис Кабаков играл два раза. В первый раз с художником Павлом Пепперштейном, концептуалистом младшего поколения. А второй раз — с философом Борисом Гройсом, который изобрел термин «московский романтический концептуализм». Оба были его давними друзьями и собеседниками. Работа, ясное дело, не про спорт, а про интеллектуальное соперничество и состязание остроумий. В теннис никто из участников играть не умел — зато в беседах об искусстве все были большие профессионалы. На черных досках мелом были записаны умные диалоги Гройса и Кабакова — а по итогам подач подводился счет.
Ангел и пейзаж, 2001 год
Кабаков рассказывал, что, когда он рисовал детские иллюстрации на незнакомую тему — скажем, когда надо было изобразить эскимосский чум или какое-нибудь тракторное производство, — он представлял себе свой предмет так, как будто он смотрит на него сверху, из космоса. Затем, спускаясь в своем воображении все ниже, он мог уже рассмотреть и зарисовать детали. Привычка смотреть на все с точки зрения верховного существа осталась у Кабакова и в искусстве. Знаменитый «Табурет» сделан именно с этой позиции — понятно же, что целый мир с ангелом может возникнуть только под табуреткой, на которой сидит сам Кабаков.
«Альтернативная история искусств», 2008 год
Этой грандиозной персональной выставкой открылся в 2008 году «Гараж». Ее можно считать апофеозом кабаковского трикстерства. Все огромное пространство Бахметьевского гаража было отдано под тщательно сделанную ретроспективу трех выдуманных художников — Шарля Розенталя, Игоря Спивака и Ильи Кабакова, — от имени которых настоящий Кабаков наделал неимоверное количество огромных холстов, написал им подробные биографии и даже сочинил про них занудные искусствоведческие статьи. Со своей манией тотальной всеохватности в этом проекте Кабаков попытался объять всю логику развития советского искусства разом.
Кабаков и Лисицкий, «Утопия и реальность?», 2013 год
Илья Кабаков. Украшатель Малыгин, 1972-1975
Срежиссированная Кабаковым нескромная дуэль с Эль Лисицким, огромная выставка-инсталляция, в которой на каждый утопический выпад фантазера раннего авангарда наученный опытом художник находит что возразить, — работа живого классика становится ответом на работу классика мертвого. Пафос всего предприятия, как и всегда у Кабакова, рассчитанный на восприятие в первую очередь западным зрителем: «Они тут намечтали, а нам тут жить». Мечтать, как неизбежно следует из этого замысла, было все-таки вредно.
Текст: Александра Новоженова
Источник
PRO аккаунты для художников
Продажи через магазин в Facebook и Instagram
Управление клиентами и продажами через CRM
Почтовые рассылки произведений
Продажа репродукций и цифровых версий
Подробнее
PRO аккаунты для художников
Продажи через магазин в Facebook и Instagram
Управление клиентами и продажами через CRM
Почтовые рассылки произведений
Продажа репродукций и цифровых версий
Подробнее
Знания • 29 марта 2018 • Автор: Анна Пашина
Илья Кабаков. Мир как тотальная инсталляция
С 21 апреля по 29 июля 2018 года в Эрмитаже пройдет масштабная ретроспектива художника, с 1988 года работающего в соавторстве с женой: «Илья и Эмилия Кабаковы. В будущее возьмут не всех». Эрмитаж принял эстафету у лондонского музея современного искусства Tate Modern, где выставка завершилась в конце января, а передаст Третьяковке — в Москву работы Кабаковых привезут осенью. В преддверии открытия в Санкт-Петербурге одной из самых ожидаемых выставок года рассказываем о художнике и его самых известных проектах.
Иллюстратор в поисках «неискусства»
Если бы в 1960-х годах Илье Кабакову сказали, что в 2000-х его картины будут стоить миллионы долларов, что получить его работы будут стремиться лучшие музеи и галереи мира, он бы ни за что не поверил. Такого будущего он не мог представить себе в самых смелых мечтах.
Илья Иосифович Кабаков родился 30 сентября 1933 года в Днепропетровске. В 1941-м с матерью попал в эвакуацию в Самарканд, где в 1943-м поступил на учебу в отправленную туда же Художественную школу при Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры им. Репина. В 1944-м институт и школа выехали в Загорск, а в 1945-м — вернулись в Ленинград.
Прописку там Кабаковым не дали, мать, с которой у Ильи на всю жизнь сохранились теплые отношения, осталась в Загорске, а Илью перевели в Московскую художественную школу. Им обоим предстоят тяжелые испытания. Ей — вечная бытовая неустроенность, так явно контрастирующая с лозунгами советского государства о всеобщем равенстве и счастье; впоследствии сын посвятит матери пронзительную работу «Лабиринт (Альбом моей матери)». Ему — годы в общежитии при школе вплоть до поступления в 1951 году в Суриковский институт.
Фото: deti.libfl.ru
Эскиз инсталляции «Лабиринт (Альбом моей матери)», 1990. Фото: © Ilya & Emilia Kabakov.
Источник: www.theguardian.com
Отсутствие личного пространства, невозможность вздохнуть полной грудью, страх перед теми, кто сильнее — и более сильными физически одноклассниками, и диктующими свои правила взрослыми, — всё это отразится на мировосприятии художника, сформирует образ замкнутого в своем убогом окружении героя работ Кабакова — дрожащего от страха «маленького человека», который мечтает о свободе. На него, беззащитного перед грубой силой, запертого в клетку, давят со всех сторон партия, работа, семья… Трагедия тотальной несвободы человека и в то же время осознание неограниченных возможностей своего «я» — ключевые для Кабакова темы. Страх, как признавался Илья Иосифович годы спустя, был сопутствующим явлением советской жизни, чертой поколения рожденных в 1930-е. Окончив отделение графики в 1957 году, он получает хорошо оплачиваемую по советским меркам работу иллюстратора детских книг — сотрудничает с издательством «Детгиз», журналами «Малыш», «Мурзилка», «Веселые картинки».
Заяц на рисунке Кабакова 2011 года — напоминание о детских книгах, которые художник иллюстрировал для издательства «Детгиз». «Я не любил делать детские иллюстрации, но знал, как имитировать детскую иллюстрацию, чтобы мне заплатили за нее деньги, — признавался впоследствии художник. — Если бы художественный редактор видел, что я не искренне рисую зайца, а подражаю его изображению в других книгах, конечно, он бы меня выгнал из издательства. Но в советские времена было безразлично: верю ли я или копирую каких-то чужих зайцев». Художник наконец-то свободен: он может не дорисовать зайцу туловище — и ему ничего за это не будет: ну разве что нарисованный наполовину заяц возмутится.
Илья Кабаков. «Художник! Ты почему не нарисовал мою заднюю часть?», 2011
Как видим, благонадежный, благополучный иллюстратор Кабаков — это лишь внешняя оболочка, которая в 60-е скрывает его настоящую личность: рефлексирующего художника, занятого поисками своего «я» и пути в искусстве. То, что Кабаков делает «для себя» в полуподвальных мастерских, — нарочито нехудожественное, «неискусство» в привычном смысле, его личный протест против «красивого», «правильного», «реалистичного».
Форма воды
Поиски своего языка обретают воплощение в серии «Душ»: на картинках изображен голый человек в душе, но, вопреки ожиданиям, вода не попадает на него, а обтекает с разных сторон, принимая самые нелепые формы.
Илья Кабаков. Работы из серии «Душ», 1974. Бумага, смешанная техника.
Источник изображений: www.artpoisk.info
Серия «Душ» становится для Кабакова точкой отсчета: «Внезапно, как будто озарение, появилась, нарисовалась серия с душем, листиков 15−20 (на паршивой бумажке, 20/13, карандашом). Как-то во всем эта серия меня устраивала: и внезапно, „без моего участия“, и „оригинально“ (нигде такого я не видел), а главное — уверенное, ликующее чувство, что „мое!“, не чье-то, а мое, и я действительно изнутри связан с результатом, какая-то неразрывная нить идет к этим рисуночкам из глубины меня, и такое чувство, что связь эта не прервется, а будет дальше и дальше разматываться, надо только без устали вытягивать и вытягивать», — расскажет он в «Записках о неофициальной жизни в Москве».
Илья Кабаков. , 1962. Частная коллекция. Источник фото: www.tate.org.uk
«Автопортрет» 1962 года, демонстрирующий влияние творчества Роберта Фалька, у которого Кабаков брал уроки, становится последней живописной работой Кабакова, написанной в ХХ веке. К живописи он вернется много лет спустя, но совершенно в другом ключе.
«Мальчик» — первая инсталляция Кабакова: изображение стремится «выйти» за пределы холста, порвать с живописной традицией, стать самостоятельным объектом. Это пародия на геометрическую ясность ренессансного идеала и ответ на попытку государства скроить человека по навязываемым меркам. Первая версия работы была создана в 1961 году.
Иллюстрация слева: Илья Кабаков. «Мальчик», 1965. Масло, эмаль на мазоните. Источник фото: www.moscowart.net
Московский романтический 70-х: начало
Семидесятые — это время невероятно насыщенной жизни неофициальной художественной Москвы: жизни, конечно, подпольной, скрытой от официальной власти. Попытка в 1974 г. художников Лианозовской школы заявить о себе закончилась печально — выставка, организованная Оскаром Рабиным, вошла в историю под названием «Бульдозерная». Кабаков в ней не участвовал — страх перед возможными последствиями был слишком велик. Но всех ее художников он знал лично, многие были его близкими товарищами. Вообще, общение с друзьями, среди которых были Эрик Булатов, Олег Васильев, Борис Гройс, Владимир Янкилевский, Эдуард Штейнберг, Андрей Монастырский, Дмитрий Пригов, было для Кабакова невероятно важным, в буквальном смысле слова живительным. «Возникает какое-то склонное к космизму сознание, особый интерес к высоким, неземным, сверхчувственным флюидам, — напишет Кабаков в воспоминаниях о 60−70-х. — Возвышенные вопросы… были тем, вокруг чего вертелись все наши внутренние, казавшиеся единственно значимыми, серьезными проблемы, а у художников — визуальная демонстрация, выражение их». Это направление в неофициальном искусстве в 1979 г. искусствовед и философ Борис Гройс назовет «московским романтическим концептуализмом».
В мастерской Ильи Кабакова, 1981. Фото: Игорь Макаревич. Источник фото: aroundart.ru
Работа Кабакова «Ответы экспериментальной группы» считается одним из ранних произведений российского концептуализма: фразы персонажей занимают место их изображений. Художник иронически показывает обезличенность человека в СССР, жизнь которого — всего лишь графа в таблице, строчка в расписании, составленном «официальными лицами». Эти расписания, таблицы, директивы и объявления на оргалите — ненавистные художнику приметы бюрократического советского мира.
Светлое и белое
«Русское искусство от иконы до наших дней хочет говорить о мире ином, — писал Гройс. — И в России невозможно написать порядочную абстрактную картину, не сославшись на Фаворский свет». Как раз исследование нематериального света, который содержит в себе белый лист бумаги, чрезвычайно занимает в эти годы Кабакова. Его завораживает триада «белое» — «пустота» — «свет»: пустота белого листа понимается им как эквивалент молчания, в котором содержится превышающая любое высказывание полнота. Белая, светящаяся ярчайшим светом пустота ослепляет зрителя, и все изображения теряют свое значение, растворяются в этом лучащемся свете. Материальное воплощение эти философские представления получают в альбомах, которые он создает с 1970 по 1978 годы: «10 персонажей» и «На серой и белой бумаге». Перекладывание неподшитых страниц альбома из одной стопки в другую видится автором метафорой человеческой жизни, «психофизической моделью текущего времени». «Особое значение в большинстве альбомов имеет рамка, — поясняет художник в „Записках о неофициальной жизни в Москве“. — Она не просто акцентирует край листа, а очерчивает край этой пустоты, край пространства, одновременно бесконечно глубокого и одновременно льющего свет из-за этого края сюда, на меня, на зрителя».
Илья Кабаков. «На кромке», 1974. Масло, эмаль на мазоните
Тотальная инсталляция
В 1980 году Илья Кабаков начинает создавать инсталляции, которые со временем становятся все более масштабными. Художник назовет их «тотальными»: по сложности исполнения они представляют собой Gesamkunstwerk — универсальные произведения, объединяющие в себе различные виды искусства. Зритель в буквальном смысле может войти в сотворенный художником мир, увидеть его изнутри, прочувствовать — и стать его частью.
Илья Кабаков. «Человек, улетевший в космос из своей комнаты», 1985. Центр Жоржа Помпиду, Париж. Фото: Andrew Dunkley (c)Tate © Ilya & Emilia Kabakov, www.theguardian.com
Все дети в СССР мечтали стать космонавтами. Герой инсталляции Кабакова решил не дожидаться, когда полеты в космос станут доступны всем. Он сконструировал похожий на катапульту механизм, чертежи которого вместе с утопическими агитплакатами развешаны на стенах его крошечной комнаты, пробил дыру в потолке — и исчез. Достиг ли он желанной цели, улетел ли в космос? Вопрос остается открытым. Главное — он вырвался за пределы душащей советской действительности, о чем с детства мечтал сам художник.
Илья Кабаков. «Инцидент в коридоре возле кухни», 1989. Фото: Guy Bell/Rex/Shutterstock на www.theguardian.com
Несмотря на то что сам Кабаков никогда не жил в коммунальной квартире, она представлялась ему квинтэссенцией нелепости и унизительности советского быта. В этом царстве абсурда могло произойти все, что угодно: например, ожить кухонная утварь. Тазы, сковородки, кастрюли, крышки летают, как мухи, и садятся на китчевые картины художника-дилетанта — возможно, жильца этой коммуналки. Локация выбрана художником не случайно: ведущий на общую кухню коридор — место самое отвратительное.
Илья Кабаков. «Анна Марковна Зуева: Чей это ковшик?», 1994.
Государственный центр современного искусства, Москва
На темно-зеленом фоне в центре на железном гвозде висит металлический ковшик с закопченным дном. В левом верхнем углу на прямоугольнике светло-зеленого цвета надпись: «Анна Марковна Зуева: Чей это ковшик?», в правом верхнем углу на идентичном прямоугольнике — надпись: «Ефим Львович Суханов: Не знаю». Это голоса соседей по коммуналке, которые беспрестанно ведут диалоги на общей кухне: вербальные и невербальные — с помощью записок. Превращая голос в текст, Кабаков заставляет его умолкнуть.
Эмиграция, Илья и Эмилия Кабаковы
В 1989 году немецкий фонд DAAD дает Кабакову стипендию и приглашает поработать в Берлине. Кабаков уезжает в Германию, но на родину не возвращается.
В этом же году Илья Иосифович встречает свою родственницу Эмилию Леках, эмигрировавшую на Запад в конце 70-х, и они начинают работать вместе. Творческий союз перерос в семейный — супруги уезжают в США и с 1989-го все произведения создают в соавторстве, подписывая их не иначе как «Илья и Эмилия Кабаковы».
Слева: Илья и Эмилия Кабаковы. Источник фото: www. ilya-emilia-kabakov.com
То, о чем Кабаков в СССР не смел и мечтать, во многом благодаря энергии и связям в арт-мире Эмилии становится реальностью: выставки следуют одна за другой, к художнику приходит мировое признание. В 2007 г. на лондонском аукционе Philips de Pury работа Кабакова «Номер люкс» (1981) продана за 4,1 млн долларов, в 2008-м картина «Жук» (1982) там же — за 5,84 млн долларов. Кабаков становится самым дорогим современным российским художником.
Фотографически точное, в духе соцарта, изображение номера люкс в сочинском санатории с маршрутом автобусных экскурсий похоже на рекламный проспект из советского журнала. Если коммуналка — это унылая повседневность, то ежегодный отпуск на черноморском побережье — это побег из нее, курортный рай. Пускают в него не всех — рядовой гражданин такой роскоши недостоин, и тем большее желание вызывает у него картинка «из другой жизни». Пародия Кабакова на представления о советской роскоши в 2007 г. была продана на лондонском аукционе Philips de Pury за 4,1 млн долларов, обеспечив автору репутацию самого дорогого современного российского художника.
Под изображением жука, напоминающим фото из журнала «Юный натуралист», Кабаков поместил стихотворение, взятое им из детской книжки, которую когда-то иллюстрировал — характерный для него прием совмещения картинки и текстового комментария к ней. Символично, что «блестящий» жук не хочет попадать в коллекцию: художник иронично дает понять, что отстаивает право оставаться свободным от любых рамок — в том числе налагаемых арт-рынком, падкому на эффектные сенсации. Забавно: именно эта картина, выполненная маслом на фанере, была продана в 2008 г. на лондонском аукционе Philips de Pury за рекордные 5,84 млн долларов, и Илья Кабаков стал самым дорогим российским современным художником.
Илья и Эмилия Кабаковы. Инсталляция «Красный вагон», 1991
В 1993 году инсталляция заняла весь российский павильон на Венецианской биеннале. В 2009 г. преподнесена Кабаковыми в дар Государственному Эрмитажу, установлена в Восточном крыле Главного штаба.
«Красный вагон» — метафора истории СССР: от образования в 1922-м до развала в 1991-м. Инсталляция состоит из 3 частей: конструктивистской лестницы в небо, товарного вагона и груды мусора. Деревянная лестница символизирует утопические надежды 1920-х на светлое будущее. Вагон — образ стагнации и несоответствия лозунгам действительности: внутри звучит бравурная музыка 1930−1940-х годов, развешаны изображения счастливых советских граждан, план идеального города будущего, но вагон никуда не едет — вместо колес он поставлен на деревянные подпорки. Проломленные ступени ведут вниз, к куче строительного мусора: это обломки страны, которой не стало.
Скандальная инсталляция Кабакова «Туалет» (фото — www.smak.be), впервые представленная в 1992 году на выставке современного искусства Documenta (Кассель, Германия). Как пояснила изданию bbc.com Эмилия Кабакова, «…это не о русских, это не о трагической жизни мамы в туалете. Его мама не жила в туалете. Да, в какой-то момент ей приходилось ютиться в комнатке при школе, где хранили белье, скатерти, полотенца. Когда-то эта комната на самом деле была туалетом, но это не был настоящий туалет. Это метафора жизни в стране, но это наша страна, наш дом, и она остается нашим домом несмотря ни на что».
А это «Жизнь мух»: сконструированный Кабаковым некий типичный провинциальный музей, в котором, как говорится, «от скуки мухи дохнут». В то же время экспонаты раскрывают тему влияния цивилизации мух на все сферы деятельности человека, от политики до искусства (фото ниже: os.colta.ru).
В будущее возьмут не всех
На выставке в Эрмитаже можно будет увидеть тотальную инсталляцию «В будущее возьмут не всех» (2001) — важную для понимания творчества Ильи и Эмилии Кабаковых работу. Она представляет собой уходящий поезд, оставляющий на перроне холсты не успевшего запрыгнуть в вагон художника.
Илья и Эмилия Кабаковы. «В будущее возьмут не всех», 2001. Фото: MAK — Austrian Museum of Applied Arts / Contemporary Art © Ilya and Emilia Kabakov Photo © Tate (Andrew Dunkley).
В 1983 г. в № 5 журнала «А-Я» Илья Кабаков опубликовал текст «В будущее возьмут не всех», в котором задавал три вопроса: «Кто возьмет?», «Кого возьмут?», «Кого не возьмут?». Решают судьбу «маленького человека» начальники, к которым Кабаков относил и директора своей школы, и Пушкина, и Малевича, ставившего перед собой амбициозную задачу — своим искусством изменить мир и человечество.
«Меня не возьмут», — без жалости к себе, как, впрочем, и надежды констатировал Кабаков. К счастью, ошибся. Ретроспектива в Лондоне, Санкт-Петербурге и Москве — тому подтверждение.
Выставка в Эрмитаже открывается 21 апреля и продлится до 29 июля 2018 года.
Автор: Анна Пашина.
Подготовлено по материалам книг и публикаций: Илья Кабаков «60−70-е. Записки о неофициальной жизни в Москве» (2008); Борис Гройс «Статьи об Илье Кабакове» (2016); Борис Гройс «Московский романтический концептуализм» (1979); «В будущее возьмут не всех» (док. фильм). Главная иллюстрация: Илья Кабаков. «Появление коллажа номер 10» Источник иллюстрации: www.theguardian.com
С 1956 года Илья Кабаков начал иллюстрировать книги для издательства «Детгиз» (с 1963 года – «Детская литература») и для журналов «Малыш», «Мурзилка», «Веселые картинки». Именно книжная иллюстрация дала Кабакову выход из академизма.
В 1965 начинает участвовать в выставках. Делит мастерскую с одним из ярких представителей сюрреализма Ю. Соостром. В ней собираются люди неофициальной культуры, она становится местом встреч и дискуссий. Именно эта публичная роль кабаковской мастерской сыграла большую роль в формировании московского концептуализма. Позднее Кабаков начинает записывать свои воспоминания о жизни арт-сообщества того времени («60-е – 70-е… Записки о неофициальной жизни в Москве». Вена, 1999).
В серии «Душ» (1964) сначала появляется рисунок человека под душем, затем фигура становится «модулем» со своим окружением – появляются математические, физические формулы, разные возможности истекания воды из душа. В 1965 году эта серия была выставлена в Италии, что поссорило его с советским правительством. На рисунках изображен человек, стоящий под лейкой душа, но вода, которая из нее выливается, не касается его. По мнению критиков, эта работа символизировала недостаток материальных ресурсов при коммунистическом режиме, и они окрестили Кабакова голосом антисоветского поколения. Но Кабаков придерживался точки зрения, близкой к точке зрения Самюэля Беккета, утверждая, что он просто изобразил человека, который постоянно чего-то ждет.
«Рука и репродукция Рейсдаля» (1965) – идея плохой вещи, в коробе – плохая репродукция и пластмассовая рука. Это та же эстетическая операция, что и у Дюшана – изменить конвенцию природы эстетического знака. Кабаков данной работой утверждает, что графическое мастерство возможно, но не нужно.
В 1970-е годы — член объединения художников «Сретенский бульвар» (Москва).
Кабаков (одновременно с Пивоваровым) придумал новый жанр – альбом – набор листов с рисунками и текстами.
С 1970 по 1976 годы Кабаков нарисовал 55 альбомов для серии «Десять персонажей». Первым альбомом стал «Полетевший Комаров». Цикл, впоследствии названный журналистами «концептуалистским комиксом», создавался специально для домашнего просмотра: это был нонконформистский, неофициальный проект.
В 1972 году Кабаков создает работу «Ответы экспериментальной группы», есть мнение, что эта работа вообще самое первое произведение советского концептуализма. В ней уже нет никаких картинок, а только записанные аккуратным почерком фразы. Игра с языком — это уже, действительно, чистый концептуализм, такой, каким он был в это время и на Западе. Но кабаковская работа тесно связана с окружавшей его советской культурой. Это пародия на эстетику объявлений, таблиц и расписаний. Местоимение «он» — повторяющийся элемент во всех ячейках таблицы. Каждый раз моделируется какой-то отдельный «он». Текст вытеснил изображение, но оно не исчезло совсем, оно осталось как виртуальность.
В 1980 году Кабаков стал меньше заниматься графикой и сосредоточился на инсталляциях, в которых использовал обычный мусор и обыгрывал жизнь и быт коммунальных квартир. В 1982 году Кабаков придумал одну из своих самых знаменитых инсталляций – «Человек, который улетел в космос из своей комнаты», законченную к 1986 году. Впоследствии такие масштабные проекты он стал называть «тотальными инсталляциями». 1970-е, когда Кабаков запускает из самодельной катапульты маленького человека из коммуналки в Космос – это вообще-то расцвет позднесоветской фантастики: Тарковский снимает «Солярис», но вместе с тем это и время, когда советская идеология утрачивает свой утопический потенциал, а космос из стремительно вспыхнувшего будущего становится частью отживающей системы. Индивидуальный побег в космос совершается втайне, как личный проект, персональная утопия безымянного сумасшедшего. Комнатка улетевшего в космос решена в жанре документального свидетельства, где не сдвинута ни одна деталь с места, не смахнута на одна крошка: завораживающий эффект остановленного времени. Зияющая дыра в потолке – знак разрыва, и Кабаков строит свою систему изобразительного пространства на разрыве между реальностью и мечтой – абсолютной белизной свободного сияния белого. Того белого поля листа, которое притягивает к себе зрителя в ранних альбомах художника.
Мушиные работы у Кабакова особенно часто встречаются в 80-х и 90-х. Борис Гройс считает, что в творчестве художника мухи играют роль ангелов. Но если это и ангелы, то скромные и ни на что не претендующие ангелы атеистической эпохи застоя. Любимая Кабаковым форма вопроса-ответа («Чья эта муха?» — «Это муха Николая«) отсылает нас к учебникам по иностранному языку, где и Анна Евгеньевна Королева, и Сергей Михайлович Хмельницкий — это безличные имена, фамилии и отчества, выдуманные автором. Муха Кабакова – знак ничтожности и тупой неизменности быта. Попадая в центр внимания двух случайных коммунальных соседей, она провоцирует их на разговор, не значащий ничего. Реплики буквально зависают в пространстве, обозначая бессмысленность происходящего.
Если Кабаков берется за кисть и пишет маслом, то он никогда не делает этого от своего имени — вместо этого он выдумывает себе лирических героев или персонажей. Например, серия картин «Праздники« (1987) как будто бы написана воображаемым соцреалистом-халтурщиком. Уборка урожая, быт молодой семьи и другие сюжеты из советской иконографии как будто сделаны для какого-нибудь праздничного стенда в ДК. Но праздничного ощущения нет, поскольку по неким причинам холсты пролежали в мастерской много лет и краски потускнели. Тогда этот воображаемый художник наивно украсил поверхность холстов цветными фантиками, надеясь оживить картины. Кабакову эти фантики, понятное дело, нужны, только чтобы сильнее обострить отчужденность от официальной советской живописи.
В 1987 году Кабаков получил первый зарубежный грант – от австрийского объединения Graz Kunstverein — и построил в Граце инсталляцию «Ужин«. Год спустя он устроил первую «тотальную инсталляцию» из проекта «Десять персонажей« в нью-йоркской галерее Рональда Фельдмана и получил стипендию французского министерства культуры. В 1989 году Кабакову дали стипендию в фонде DAAD (Германская служба академических обменов), и он переехал в Берлин. С этого времени он постоянно работал за пределами сначала СССР, а потом России.
С начала 1990-х годов у Кабакова прошли десятки выставок в Европе и Америке, в том числе в таких крупных музеях, как парижский Центр Помпиду, норвежский Национальный центр современного искусства, нью-йоркский музей современного искусства, кельнский Кунстхалле, а также на Венецианской биеннале и на выставке Documenta в Касселе. 1990-е годы стали временем признания художника: в это десятилетие он получил награды от датского, немецкого и швейцарского музеев, титул кавалера Ордена искусств и литературы от французского министерства культуры.
Одна из ранних эмигрантских инсталляций Кабакова «Красный вагон» (1991) была сделана для дюссельдорфского Кунстхалле. Кабаков умело создавал тотальный образ необыкновенной и пугающей страны, из которой он прибыл. И его проекты для европейских и американских музеев рассчитаны именно на пересказ советского опыта западному зрителю. «Вагон» следовало читать как метафору трех ступеней развития советской культуры, как ее понимал Кабаков. На входе в вагон стоит сложная, напоминающая конструкции Лисицкого лестница, идущая в небо, — это стремящаяся в будущее утопия авангарда. Внутри вагона темно, вместо окон висят соцреалистические холсты и играют бравурные сталинские марши 30–40-х годов — это искусственная ширма социалистического реализма. А на выходе из вагона валяется груда мусора, оставшаяся от постройки вагона, — это послевоенные руины сталинской культуры.
Если «Человек, улетевший в космос» — это фантазия о побеге в прекрасное и свободное будущее, то «Туалет» (1992) — это уже ретроспективный взгляд из «нормального настоящего» в сюрреалистическое прошлое. Сравнение советской жизни с уютно обустроенным общественным сортиром — благодаря своей предельной понятности — пользовалось в западных музеях огромным успехом.
Получив на Западе ресурсы для конструирования целых миров, Кабаков дал волю своим демиургическим амбициям и немедленно сделался повелителем мух — «Жизнь мух» (1992). Он развил тему, которая встречалась у него до того только в рисунках, до настоящего монументального эпоса. Это было уже не одинокое маленькое насекомое, а целая мушиная цивилизация со своей историей и таинственными законами, по которым строились траектории полетов мух, способных образовывать в пространстве отдающие эзотерикой фигуры.
«Игра в теннис» (1996) – в теннис Кабаков играл два раза. В первый раз с художником Павлом Пепперштейном, концептуалистом младшего поколения. А второй раз — с философом Борисом Гройсом, который изобрел термин «московский романтический концептуализм». Оба были его давними друзьями и собеседниками. Работа, ясное дело, не про спорт, а про интеллектуальное соперничество и состязание остроумий. В теннис никто из участников играть не умел — зато в беседах об искусстве все были большие профессионалы. На черных досках мелом были записаны умные диалоги Гройса и Кабакова — а по итогам подач подводился счет.
Кабаков рассказывал, что, когда он рисовал детские иллюстрации на незнакомую тему — скажем, когда надо было изобразить эскимосский чум или какое-нибудь тракторное производство, — он представлял себе свой предмет так, как будто он смотрит на него сверху, из космоса. Затем, спускаясь в своем воображении все ниже, он мог уже рассмотреть и зарисовать детали. Привычка смотреть на все с точки зрения верховного существа осталась у Кабакова и в искусстве. Знаменитый «Табурет» (2001) сделан именно с этой позиции.
В 2000-е годы художник стал активно выставляться в России. В начале 2004 года Третьяковская галерея устроила программную выставку «Илья Кабаков. Десять персонажей». В июне 2004 года в Эрмитажев здании Главного штаба открылась выставка Ильи Кабакова и его жены Эмилии (они женаты с 1992 года) «Случай в музее и другие инсталляции», которая «знаменовала их возвращение на родину». Тогда же художники подарили музею две инсталляции, которые, по словам Михаила Пиотровского, положили начало эрмитажному собранию новейшего искусства. В декабре все того же 2004 года московская галерея «Стелла-Арт» показала девять инсталляций Кабакова, сделанных в 1994-2004 годах.
Когда в 2006 году в нью-йоркский музей Гуггенхайма отправилась программная выставка «Russia!», в нее была включена инсталляция Кабакова «Человек, который улетел в космос». Присутствие этой работы в одном пространстве с иконами Андрея Рублева и Дионисия, картинами Брюллова, Репина и Малевича окончательно закрепило за Кабаковым статус одного из самых важных советских и российских художников послевоенного поколения.
Грандиозной персональной выставкой «Альтернативная история искусств» открылся в 2008 году «Гараж». Ее можно считать апофеозом кабаковского трикстерства. Все огромное пространство Бахметьевского гаража было отдано под тщательно сделанную ретроспективу трех выдуманных художников — Шарля Розенталя, Игоря Спивака и Ильи Кабакова, — от имени которых настоящий Кабаков наделал неимоверное количество огромных холстов, написал им подробные биографии и даже сочинил про них занудные искусствоведческие статьи. Со своей манией тотальной всеохватности в этом проекте Кабаков попытался объять всю логику развития советского искусства разом.
Летом 2007 года на лондонских торгах дома Phillips de Pury & Company картина Кабакова «Номер люкс» была куплена за 2 миллиона фунтов стерлингов (около 4 миллионов долларов). Так он стал самым дорогим русским художником второй половины ХХ века.
В феврале 2008 года работа Кабакова «Жук» (1982) ушла с молотка на аукционе Phillips de Pury & Company за 2,93 миллиона фунтов стерлингов (5,84 миллиона долларов). В апреле того же года альбом «Полетевший Комаров» был продан на нью-йоркских торгах Sotheby’s за 445 тысяч долларов. Осенью 2008 года в Москве была показана самая большая ретроспектива Ильи и Эмилии Кабаковых. Экспозиция демонстрировалась сразу на на трех площадках: ГМИИ имени Пушкина, центр современного искусства «Винзавод» и центр современного искусства «Гараж».
Долгое время работал иллюстратором детских книг и журналов. Ввёл в художественный обиход понятие «тотальная инсталляция».
Живёт и работает в Нью-Йорке (на Лонг-Айленде) с 1988 года. С 1989 года работает в соавторстве со своей женой (и племянницей) Эмилией Кабаковой (урожд. Леках, род. 1945, Днепропетровск).
Источники: Wikipedia, Арт кладовка, Arterritory.com, afisha.ru, art4.ru, РиаНовости, Artvalue.com, ARTINFO
Содержание статьи
Поиски Кабаковым «своего» искусства начались с рисунков и картин, но постепенно изобразительные элементы вышли за пределы плоскости. Повествование о невидимых персонажах стало зримым благодаря особой атмосфере, создаваемой при помощи «сценографии», включающей не только картины, предметы и тексты, но и стены, пол, потолок, поставленный специальным образом свет и звук. Обитатель этих пространств, «маленький человек» Кабакова занял прочное место в истории и русского, и мирового искусства.
Автомат и цыплята
Илья Кабаков. Автомат и цыплята. 1966
© Государственная Третьяковская галерея
В 1962 году Илья Кабаков, иллюстрировавший книги, по его выражению, «для них», и нащупывающий пути работы «для себя», знакомится с Юло Соостером, Владимиром Янкилевским, Юрием Нолевым-Соболевым, Михаилом Гробманом и другими художниками советского «подпольного» искусства. Вместе с Соостером, другом Кабакова, они снимают подвальную мастерскую на Таганке. К этому периоду относится появление картин-объектов, основой для которых послужили крышки от фанерных ящиков, листы оргалита и даже спинка дивана. Эти произведения сам Кабаков называет «странными предметами», «изделиями-вещами». Именно «странные предметы» стали первыми значимыми, узнаваемыми работами художника, существующими, по его словам, только благодаря интерпретации, которая, однако, не «покрывала причины появления картины».
«Автомат и цыплята» — одно из таких загадочных абсурдистских «изделий». Что это — кусок стены, скульптура, агитационный плакат? Это ненайденный предмет, поскольку кривая и шероховатая поверхность создана из папье-маше. С помощью грунта и краски Кабаков добился эффекта окрашенной штукатурки. Он создал «плохую вещь», которая словно на миг была изъята из неказистого советского быта, чтобы вновь раствориться в нем. Сам автор в книге «60–70- е … Записки о неофициальной жизни в Москве» так объясняет смысл «Автомата и цыплят»: «Идея этой работы близка к рисункам на заборе, где забор служит только поверхностью, плоскостью для рисунков. В данной работе “забор”, то есть большой неповоротливый камень, и есть главное действующее лицо. Сюжетом, всем очевидным, служит история между автоматом и цыплятами, звучащая примерно так: “автомат все время угрожает, а цыплята спрятались в ямки”. Отчасти сюжет повторяет эпизод восстания Бар-Кохбы, когда римские солдаты расположились на верху горы, а восставшие прятались в пещерах отвесных склонов. Отчасти это напоминает и положение подпольных художников: не высовывайся — убьют. Блок по идее белый, но кто-то, может быть, к празднику покрасил его снаружи в коричневый цвет»1
Ответы экспериментальной группы
Илья Кабаков. Ответы экспериментальной группы. 1970-1971. Вид работы на выставке «В будущее возьмут не всех». 2018
© Частная коллекция. Фото: Е. Алексеев / Государственная Третьяковская галерея
Илья Кабаков. Все о нем. 1970-1971
© Государственная Третьяковская галерея
В конце 1967 года Кабаков переезжает в построенную им мастерскую на чердаке дома бывшего страхового общества «Россия» на Сретенском бульваре, которая вскоре станет культовым местом, одним из главных центров художественного жизни Москвы 1970–1980-х. Просторное помещение мастерской позволило художнику создать здесь знаменитые большие «картины-стенды» и первые инсталляции.
Уже с середины 1960-х годов Кабаков все чаще заменяет масляные краски технической эмалью, а вместо холста использует фанеру или оргалит. Дешевые материалы, предназначенные для изготовления ящиков или ремонтных работ, подчеркивали отличие этих произведений, отсылающих к стендам и таблицам ЖЭКа (жилищной эксплуатационной конторы, управляющей бытом советских граждан), от «высокохудожественной» продукции официального искусства.
Основатель группы «Коллективные действия» Андрей Монастырский назвал «Ответы экспериментальной группы» первым произведением московского концептуализма. Эта картина-объект, продолжающая серию работ Кабакова с реальными предметами, в почти монументальной форме реализует появившуюся еще в его рисунках 1960-х годов идею «участия в картине “на равных”» изображения и текста».
В «Ответах экспериментальной группы» ассамбляж из прикрепленных к ровно окрашенной эмалью гладкой поверхности оргалита паровозика, вешалки, гвоздя и почти иллюзорно написанной палки сопровождается комментариями участников опроса, интерпретирующих этот странный набор предметов. Реальный зритель оказывается в положении собеседника вымышленных, но предельно персонифицированных, наделенных не только фамилиями, но и именами и отчествами персонажей. Тексты становятся «объемными», комментарии обретают голоса, побуждая присоединить к ним и наш собственный — несколько растерянный абсурдностью происходящего.
Белый фон композиции напоминает еще об одной важной кабаковской идее — попытке передать зрителю восприятие плоскости как экрана, излучающего свет, в котором зависают, «плавают» предметы, тексты и изображения.
Вскоре художник создаст еще один вариант «Ответов экспериментальной группы» (Третьяковская галерея), получивший название «Все о нем». Здесь все пространство картины отдано написанным от руки комментариям участников таинственной «группы». Они рассуждают о некоем персонаже, образ которого становится все более зыбким, поскольку «он» оказывается одновременно и человеком, и животным, и предметом, и растением.
Ящик с мусором
Илья Кабаков. Ящик с мусором. 1981
© Государственная Третьяковская галерея
В «Ящике с мусором» с трудом умещаются старые, битые, использованные вещи из мастерской художника, вокруг разбросаны грязные кисти, пустые рамки, банки из-под краски, тряпки, халат. Все эти «отходы» жизни и творческого процесса, которых, согласно подсчетам хранителей, более 150 предметов, перечислены в прилагаемой описи и снабжены бирками с написанными от руки крепкими ругательствами.
Тема мусора — одна из основных в творчестве Ильи Кабакова. В 1980-е художник развивает ее во многих проектах, а спустя несколько лет делегирует манию «ничего-не-выбрасывать» персонажу, который «постулирует мусор как содержание вообще всей жизни и космоса». В текстах и интервью Кабаков рассказывает о собственном отношении к мусору, который не только составлял значительную часть среды обитания человека в СССР, но и служил характеристикой его личности. Собираемые и хранимые бумажки — складываемые в большие коробки квитанции, чеки, талоны, справки — служили свидетельством благонадежности и ответственности советского гражданина, основой для составления анкеты, подменяющей личность, как в картине «Собакин». Художник придает постоянному собирательству и сортировке разного рода мусора все новые смыслы и конфигурации. Помимо документального и бытового сора, несущего для одержимых манией собирательства героев память о событии, встрече, находке, Кабаков вводит в свои инсталляции мусор словесный, ведь «человек постоянно окружен в своей повседневной жизни колышущемся, никогда не затихающим морем произносимых слов» 2.
«Ящик с мусором» отличается от наполненных предметами и голосами коммунальных инсталляций Кабакова тем, что, будучи вместилищем отбросов из мастерской художника, места, где рождается искусство, раскрывает и саркастическое отношение автора к возвышенной роли творца.
Человек, улетевший в космос из своей комнаты
Илья Кабаков. Инсталляция «Человек, улетевший в космос из своей комнаты» (1985) на выставке «В будущее возьмут не всех». 2018
© Центр Помпиду (Париж). Фото: Е. Алексеев / Государственная Третьяковская галерея
Инсталляцию «Человек, улетевший в космос из своей комнаты» Кабаков строил и собирал в течение трех лет в своей московской мастерской на Сретенском бульваре. В захламленной комнате с дырой в потолке установлена катапульта — согласно авторскому тексту, «одинокий обитатель этой комнаты, как становится ясно из рассказа его соседа, был обуреваем мечтой о полете в космос в одиночку, и мечту эту — свой “великий проект” — он, по всей видимости, осуществил» 3. Плакаты, которыми оклеена комната, макет квартала с домом героя с отмеченной на крыше линией старта, чертежи «пускового аппарата» и картина, изображающая взлет ракеты с Красной площади, демонстрируют серьезную подготовку к реализации замысла. В маленьком закутке у входа в комнату висят машинописные тексты — свидетельства соседей.
В первой половине 1970-х Кабаков создал серию концептуальных альбомов «Десять персонажей», в которых впервые появились герои, «обуреваемые темой-состоянием и проживающие эту тему — состояние от начала до конца как единственное содержание своей жизни». «Тема» каждого персонажа, символизирующая бегство из коммунального мира, обретает особую визуальную форму, а биография представляет собой историю художественного проекта — зарождающегося, развивающегося и достигающего своего апогея в исчезновении героя.
«Человек, улетевший в космос» — первое воплощение в формате инсталляции истории об одном из персонажей серии — «Полетевшем Комарове».
Десять персонажей
Илья Кабаков. Инсталляция «10 персонажей» в галерее Рональда Фельдмана. Нью-Йорк, 1988
Фото: Джеймс Ди / Собрание Ильи и Эмилии Кабаковых
Инсталляция «Десять персонажей», название которой Кабаков позаимствовал у серии альбомов, была построена как полномасштабная модель коммунальной квартиры, объединившая предыдущие проекты художника, в том числе реализованные еще в Москве, с новыми. Нутро коммуналки, в которую входил американский зритель, составляли «Туалет», «Коммунальная кухня»; в одном из пространств были протянуты «Веревки» » (Государственная Третьяковская Галерея и триеннале современного искусства Ичиго Цумари, Япония); в комнатах — оставлены следы покинувших их обитателей, среди которых «Человек, улетевший в картину» (в коллекции Музея современного искусства (МОМА) в Нью-Йорке, США), «Короткий человек», «Композитор» (в частной коллекции в Лос-Анджелесе, США), «Коллекционер» (работа находится в постоянной экспозиции Дома искусства в Мюнхене в Германии), «Человек, спасающий Николая Викторовича», «Мусорный человек» («Человек, который никогда ничего не выбрасывал») (в постоянной экспозиции в Национальном музее искусств Осло в Норвегии), «Человек, описывающий себя через других персонажей», «Бездарный художник», «Человек, улетевший в космос» (в коллекции Центра Помпиду в Париже), «Человек, собирающий мнения других». Зритель проходил по коридору и погружался в «гнетущую, давящую атмосферу коммунальной квартиры с ее серым цветом стен и едва видным светом ламп под потолком»4; заглядывал в приоткрытые комнаты, наполненные странными предметами, раскрывающими секреты обитателей; читал тексты о способах бегства из этого душного и страшного пространства. Коммунальная квартира — не только метафора жизни советского общества, но и универсальная формула, позволившая поведать миру о «маленьком человеке», описанном еще Гоголем и Достоевским. «Каждый из них изобретает свой способ ухода или хотя бы игнорирования окружающего, и этот способ становится маниакальной идеей: собирание коллекции открыток, возврат к своему прошлому, пересматривание своего мусора, полет внутрь нарисованной им самим картины или, наконец, фантастический, абсолютно невероятный способ уйти в космос, пробив потолок собственной комнаты»5
Илья Кабаков. План инсталляции «Десять персонажей» в галерее Рональда Фельдмана. 1988 Собрание Ильи и Эмилии Кабаковых
Лабиринт. Альбом моей матери
Илья и Эмилия Кабаковы. Инсталляция «Лабиринт. Альбом моей матери» (1990) на выставке «В будущее возьмут не всех». 2018
© Тейт Модерн (Лондон). Фото: Е. Алексеев / Государственная Третьяковская галерея
Одна из немногих биографических работ художника. В основе проекта — воспоминания матери Кабакова, Берты Юрьевны Солодухиной, написанные по просьбе сына в возрасте 83 лет. Отпечатанные на пишущей машинке и наклеенные на узорчатые обои, отрывки из этих воспоминаний вместе с фотографиями Бердянска, Запорожья, Москвы — типичными сценками из «жизни отдыхающих» в СССР, сделанными дядей художника, Юрием Блехером, — составили 76 листов «Альбома моей матери». Тускло освещенное пространство, в которое входит зритель, напоминает узкий, длинный коридор коммунальной квартиры или безликого советского учреждения. По мере продвижения по этому унылому пространству, за каждым поворотом которого «все тот же грязный пол и все те же серые, пыльные, обшарпанные стены», к центру лабиринта все отчетливее слышен «домашний» голос самого художника, поющего русские романсы. Как часто у Кабакова, ожидание радикальной смены обстановки приводит к разочарованию — источник голоса сконцентрирован в небольшом закутке, «украшенном» небольшим количеством мусора. Острота ощущений побывавшего в «Лабиринте» зрителя зависит от степени погружения в рассказанную через фрагменты воспоминаний жизнь женщины, которая была ровесницей ХХ века и прошла через череду сотрясавших страну испытаний, которые отразились в ее личной истории, бывшей для Кабакова «образом постоянного несчастья». Спокойная, размеренная интонация делает тексты по-настоящему «объемными», усиливая чувство сопереживания и одновременно нарастающей тревоги, страха не увидеть «свет выхода».
Туалет
Илья и Эмилия Кабаковы. Инсталляция «Туалет» на выставке Documenta. Кассель (ФРГ). 1992
© Музей современного искусства (Гент). Фото: Дирк Паувелс / Cобрание Ильи и Эмилии Кабаковых
На девятой Documenta, одной из самых престижных международных выставок современного искусства, проходящих в немецком городе Кассель, рядом с дворцом Фридерицианум появился необычный общественный туалет. Бетонное строение повторяло хорошо знакомую каждому советскому человеку провинциальную общественную уборную с раздельными входами, украшенными буквами «М» и «Ж». В опаской входившие внутрь посетители с удивлением обнаруживали там вполне уютно обустроенное жилое пространство. Мебель, коврики, посуда, личные вещи и прочие предметы быта создавали впечатление, будто хозяин «домика» вот-вот вернется. Идея инсталляции восходит к воспоминаниям матери художника, вынужденной во время учебы сына в Москве скитаться по съемным углам, в том числе ночевать в неиспользуемом туалете школы, в которой она работала сестрой-хозяйкой. Критики назвали «Туалет» Кабакова метафорой жизни в советской России, однако и сам художник, и его жена и соавтор Эмилия Кабакова неоднократно подчеркивали неоднозначность этого образа. Искусствовед и арт-критик Екатерина Деготь видит в этой произведении историю о классовых границах и о проблемах миграции, а философ Борис Гройс — комментарий к самой выставке Documenta, предлагающей художникам временное пристанище.
Жизнь мух
Илья и Эмилия Кабаковы. Инсталляция «Жизнь мух» (зал 2). Кунстферайн. Кельн, 1992
© Частная коллекция. Фото: Борис Беккер / Собрание Ильи и Эмилии Кабаковых
Муха, как и мусор, — один из лейтмотивов кабаковского искусства. Но в случае «Жизни мух» тотальная инсталляция стала тотальной мистификацией. Это образ целой цивилизации, где главные обитатели, как следует из названия, мухи. Инсталляция была показана в Кунстферайн в Кельне: четыре зала, выстроенные по анфиладному принципу, посвящены разным аспектам мушиного существования. Первый рассказывал об экономике, финансах, политике и изобразительном искусстве. Заголовки в стиле «Мухи и…» придавали происходящему иронично-научно-познавательный характер. Во втором была показана собственно «Цивилизация мух» с подвешенными в воздухе конструкциями из насекомых. В третьем — две темы: «Концерт для мухи» (со множеством пюпитров, сосредоточенных вокруг одной бумажной мухи) и «Мухи! Табличная поэзия». Наконец, в четвертом оказался рисунок с мухой, окруженный, как часто бывает у Кабакова, комментариями зрителей. В этом же 1992 году инсталляция была представлена в галерее Барбары Гладстоун в Нью-Йорке.
Мушиную цивилизацию Кабаков выстраивает как утопический проект. Он показывает, как сделать из мухи слона, что и свершилось «в современной науке (особенно в новой, быстро развивающейся ее отрасли “эстанилогии”: от греческого Estasis — “регулирующий” и Anilis — “насекомые”) — о роли и месте мух в современном мире»6. Все вместе, по Кабакову, должно напоминать атмосферу провинциального музея с тусклым освещением — «атмосферу безнадежной скуки, скуки, о которой говорится, что “от нее и мухи мрут”. Подобные выставки у нас часто устраивали под лозунгами “Новое в науке и технике”. Об этом пафосе в частности свидетельствуют лозунги и эпиграфы».
Альтернативная история искусств
Илья и Эмилия Кабаковы. Альтернативная история искусств. Картина Шарля Розенталя «Аукцион» (1927-1928)
Фото: Собрание Ильи и Эмилии Кабаковых
Первый развернутый проект Ильи Кабакова, полностью сконструированный из живописных работ. «Альтернативная история искусств» — это ретроспективы трех вымышленных художников, впервые показанные в разные годы на разных площадках. Первый — Шарль Розенталь (1896–1933), ученик Шагала и Малевича, в 1922 году эмигрировавший в Париж. Пройдя через увлечение сезаннизмом, искушение авангардом, Розенталь возвращается к реализму, однако его преследует «белое», вторгающееся в картины и оставляющее пустоты в композициях. Этот факт в биографии мастера становится первым сигналом, заставляющим зрителя засомневаться в подлинности истории Розенталя. Выставка впервые прошла в Центре современного искусства Мито в Японии в 1999 году.Затем была показана в Кюнстхале Берн, Швейцария, в Кюнстхалле Билефилд и в StadelInstitute, Франкфурт, Германия.
Вторая выставка — художника Ильи Кабакова, считающего себя учеником Розенталя и родившегося в год его гибели — в 1933-м. Не желая отказываться от фигуративности в искусстве, Кабаков в своей живописи все-таки не может избежать супрематических элементов. Выставка «Учитель и ученик: Шарль Розенталь и Илья Кабаков» прошла 2004 году в Музее современного искусства в Кливленде.
Третья ретроспектива — работы автора нового поколения Игоря Спивака, биография которого обрывается в 1990-е годы, была представлена на выставке в «Гараже» в 2008 году, где впервые были показаны все три части проекта. Лишь тогда зритель смог «разоблачить» мистификацию Ильи Кабакова, который выступил в роли режиссера, куратора, персонажа и исполнителя.
Здесь важно, что художник не просто рассказывает о живописи якобы разных авторов, складывающейся в серии, — он выстраивает обобщающий образ истории виражей искусства XX века в России, начинающейся с его собственных ранних живописных поисков.
Красный вагон
В 1991 году, за несколько месяцев до распада СССР, в дюссельдорфском Кунстхалле Илья Кабаков впервые представил инсталляцию, запечатлевшую «советское время» от начала до конца. Вход в «Красный вагон» оформлен в виде устремленной вверх конструктивистской лестницы, символизирующей первый, революционный, отрезок истории — время надежд на скорое построение прекрасного будущего. Центральная часть — вагон, украшенный фризом из картин со сценами из жизни страны Советов, от «сталинского рая» до эпохи великих открытий 1960-х. Внутри на стене — панорама запечатленной с высоты птичьего полета воплощенной утопии: раскинувшийся на берегу реки город-сад с парящими над ним дирижаблями и аэропланами, упорядоченными рядами хозяйственных комплексов и динамичными объемами общественных зданий. Песни 1930–1940-х, собранные музыкантом и художником Владимиром Тарасовым, словно приглашают зрителя присесть на скамью и погрузиться в созерцание панорамы в предвкушении продолжения «спектакля». На выходе посетителя встречает оставшийся после постройки «красного вагона» мусор. Кабаков заставляет зрителя «физически почувствовать начало, середину и конец» истории СССР от зарождения до гибели, «испытав невозможность подняться по лестнице в небо, пережив тягостную скуку “вечного ожидания” и оказавшись среди кучи грязи, обломков и мелкой чепухи».
Сноски
1. Илья и Эмилия Кабаковы. В будущее возьмут не всех. Каталог выставки (Тейт Модерн, Лондон; Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург; Государственная Третьяковская галерея, Москва). М.: Государственная Третьяковская галерея, 2018. С. 179.
2. Илья Кабаков. Слово и изображение на равных. Текст как основа изобразительности // Тексты. М.: Герман Титов, 2010.
3. Илья и Эмилия Кабаковы. В будущее возьмут не всех. Каталог выставки.
4. Илья Кабаков. О «тотальной» инсталляции. М.: Kerber, 2008. С. 36.
5. Илья Кабаков. Слово и изображение на равных.
6. Илья/Эмилия Кабаковы.Жизнь мух. М.: Kerber, 2008. С. 68.
7. Илья Кабаков. О «тотальной» инсталляции. С. 72.
Выразить одобрение автору публикации!
Рассказываем обо всем через призму русского искусства
Илья Иосифович Кабаков родился 30 сентября 1933 года в Днепропетровске, УССР, СССР — российский и американский художник, график, автор публичных проектов и инсталляций, теоретик русской культуры, одна из наиболее значительных фигур московского концептуализма. В последнее время работает в соавторстве со своей племянницей (впоследствии женой) Эмилией.
Работы Кабакова «Жук» ($5,8 млн., 2008) и «Номер люкс» ($4,1 млн, 2006) являются двумя самыми дорогими когда-либо проданными произведениями современного российского искусства (обе — аукцион Phillips de Pury, Лондон).
СОДЕРЖАНИЕ
Биография Ильи Кабакова
Творчество Кабакова
Интересные факты из жизни художника
Картины и инсталляции Ильи и Эмилии Кабаковых
БИОГРАФИЯ ИЛЬИ КАБАКОВА
Илья Кабаков родился в семье слесаря Иосифа Бенционовича Кабакова и бухгалтера Беллы Юделевны Солодухиной. В 1941 году вместе с матерью он попал в эвакуацию в Самарканд. В 1943 году его приняли в Художественную школу при Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры имени Репина, преподаватели и ученики которой тоже были эвакуированы в Самарканд. Оттуда Кабакова в 1945 году перевели в Московскую среднюю художественную школу (МСХШ). Ее он закончил в 1951 году и тогда же поступил на отделение графики в Суриковский институт (Московский государственный академический художественный институт имени В.И. Сурикова), где занимался в мастерской книги у профессора Б.А. Дехтерева. Окончил институт Кабаков в 1957 году.
С 1956 года Илья Кабаков начал иллюстрировать книги для издательства «Детгиз» (с 1963 года – «Детская литература») и для журналов «Малыш», «Мурзилка», «Веселые картинки». Именно книжная иллюстрация дала Кабакову выход из академизма.
Творчество Кабакова
В 1965 начинает участвовать в выставках. Делит мастерскую с одним из ярких представителей сюрреализма Ю. Соостром. В ней собираются люди неофициальной культуры, она становится местом встреч и дискуссий. Именно эта публичная роль кабаковской мастерской сыграла большую роль в формировании московского концептуализма. Позднее Кабаков начинает записывать свои воспоминания о жизни арт-сообщества того времени («60-е – 70-е… Записки о неофициальной жизни в Москве». Вена, 1999).
В серии «Душ» (1964) сначала появляется рисунок человека под душем, затем фигура становится «модулем» со своим окружением – появляются математические, физические формулы, разные возможности истекания воды из душа. В 1965 году эта серия была выставлена в Италии, что поссорило его с советским правительством. На рисунках изображен человек, стоящий под лейкой душа, но вода, которая из нее выливается, не касается его. По мнению критиков, эта работа символизировала недостаток материальных ресурсов при коммунистическом режиме, и они окрестили Кабакова голосом антисоветского поколения. Но Кабаков придерживался точки зрения, близкой к точке зрения Самюэля Беккета, утверждая, что он просто изобразил человека, который постоянно чего-то ждет.
«Рука и репродукция Рейсдаля» (1965) – идея плохой вещи, в коробе – плохая репродукция и пластмассовая рука. Это та же эстетическая операция, что и у Дюшана – изменить конвенцию природы эстетического знака. Кабаков данной работой утверждает, что графическое мастерство возможно, но не нужно.
В 1970-е годы — член объединения художников «Сретенский бульвар» (Москва).
Кабаков (одновременно с Пивоваровым) придумал новый жанр – альбом – набор листов с рисунками и текстами.
С 1970 по 1976 годы Кабаков нарисовал 55 альбомов для серии «Десять персонажей». Первым альбомом стал «Полетевший Комаров». Цикл, впоследствии названный журналистами «концептуалистским комиксом», создавался специально для домашнего просмотра: это был нонконформистский, неофициальный проект.
В 1972 году Кабаков создает работу «Ответы экспериментальной группы», есть мнение, что эта работа вообще самое первое произведение советского концептуализма. В ней уже нет никаких картинок, а только записанные аккуратным почерком фразы. Игра с языком — это уже, действительно, чистый концептуализм, такой, каким он был в это время и на Западе. Но кабаковская работа тесно связана с окружавшей его советской культурой. Это пародия на эстетику объявлений, таблиц и расписаний. Местоимение «он» — повторяющийся элемент во всех ячейках таблицы. Каждый раз моделируется какой-то отдельный «он». Текст вытеснил изображение, но оно не исчезло совсем, оно осталось как виртуальность.
В 1980 году Кабаков стал меньше заниматься графикой и сосредоточился на инсталляциях, в которых использовал обычный мусор и обыгрывал жизнь и быт коммунальных квартир. В 1982 году Кабаков придумал одну из своих самых знаменитых инсталляций – «Человек, который улетел в космос из своей комнаты», законченную к 1986 году. Впоследствии такие масштабные проекты он стал называть «тотальными инсталляциями». 1970-е, когда Кабаков запускает из самодельной катапульты маленького человека из коммуналки в Космос – это вообще-то расцвет позднесоветской фантастики: Тарковский снимает «Солярис», но вместе с тем это и время, когда советская идеология утрачивает свой утопический потенциал, а космос из стремительно вспыхнувшего будущего становится частью отживающей системы. Индивидуальный побег в космос совершается втайне, как личный проект, персональная утопия безымянного сумасшедшего. Комнатка улетевшего в космос решена в жанре документального свидетельства, где не сдвинута ни одна деталь с места, не смахнута на одна крошка: завораживающий эффект остановленного времени. Зияющая дыра в потолке – знак разрыва, и Кабаков строит свою систему изобразительного пространства на разрыве между реальностью и мечтой – абсолютной белизной свободного сияния белого. Того белого поля листа, которое притягивает к себе зрителя в ранних альбомах художника.
Смотрите также: как можно уместно украсить интерьер настенной живописью.
Мушиные работы у Кабакова особенно часто встречаются в 80-х и 90-х. Борис Гройс считает, что в творчестве художника мухи играют роль ангелов. Но если это и ангелы, то скромные и ни на что не претендующие ангелы атеистической эпохи застоя. Любимая Кабаковым форма вопроса-ответа («Чья эта муха?» — «Это муха Николая») отсылает нас к учебникам по иностранному языку, где и Анна Евгеньевна Королева, и Сергей Михайлович Хмельницкий — это безличные имена, фамилии и отчества, выдуманные автором. Муха Кабакова – знак ничтожности и тупой неизменности быта. Попадая в центр внимания двух случайных коммунальных соседей, она провоцирует их на разговор, не значащий ничего. Реплики буквально зависают в пространстве, обозначая бессмысленность происходящего.
Интересные факты из жизни художника
Если Кабаков берется за кисть и пишет маслом, то он никогда не делает этого от своего имени — вместо этого он выдумывает себе лирических героев или персонажей. Например, серия картин «Праздники» (1987) как будто бы написана воображаемым соцреалистом-халтурщиком. Уборка урожая, быт молодой семьи и другие сюжеты из советской иконографии как будто сделаны для какого-нибудь праздничного стенда в ДК. Но праздничного ощущения нет, поскольку по неким причинам холсты пролежали в мастерской много лет и краски потускнели. Тогда этот воображаемый художник наивно украсил поверхность холстов цветными фантиками, надеясь оживить картины. Кабакову эти фантики, понятное дело, нужны, только чтобы сильнее обострить отчужденность от официальной советской живописи.
В 1987 году Кабаков получил первый зарубежный грант – от австрийского объединения Graz Kunstverein — и построил в Граце инсталляцию «Ужин».
Год спустя он устроил первую «тотальную инсталляцию» из проекта «Десять персонажей» в нью-йоркской галерее Рональда Фельдмана и получил стипендию французского министерства культуры. В 1989 году Кабакову дали стипендию в фонде DAAD (Германская служба академических обменов), и он переехал в Берлин. С этого времени он постоянно работал за пределами сначала СССР, а потом России.
С начала 1990-х годов у Кабакова прошли десятки выставок в Европе и Америке, в том числе в таких крупных музеях, как парижский Центр Помпиду, норвежский Национальный центр современного искусства, нью-йоркский музей современного искусства, кельнский Кунстхалле, а также на Венецианской биеннале и на выставке Documenta в Касселе. 1990-е годы стали временем признания художника: в это десятилетие он получил награды от датского, немецкого и швейцарского музеев, титул кавалера Ордена искусств и литературы от французского министерства культуры.
Одна из ранних эмигрантских инсталляций Кабакова «Красный вагон» (1991) была сделана для дюссельдорфского Кунстхалле. Кабаков умело создавал тотальный образ необыкновенной и пугающей страны, из которой он прибыл. И его проекты для европейских и американских музеев рассчитаны именно на пересказ советского опыта западному зрителю. «Вагон» следовало читать как метафору трех ступеней развития советской культуры, как ее понимал Кабаков. На входе в вагон стоит сложная, напоминающая конструкции Лисицкого лестница, идущая в небо, — это стремящаяся в будущее утопия авангарда. Внутри вагона темно, вместо окон висят соцреалистические холсты и играют бравурные сталинские марши 30–40-х годов — это искусственная ширма социалистического реализма. А на выходе из вагона валяется груда мусора, оставшаяся от постройки вагона, — это послевоенные руины сталинской культуры.
Если «Человек, улетевший в космос» — это фантазия о побеге в прекрасное и свободное будущее, то «Туалет» (1992) — это уже ретроспективный взгляд из «нормального настоящего» в сюрреалистическое прошлое. Сравнение советской жизни с уютно обустроенным общественным сортиром — благодаря своей предельной понятности — пользовалось в западных музеях огромным успехом.
Получив на Западе ресурсы для конструирования целых миров, Кабаков дал волю своим демиургическим амбициям и немедленно сделался повелителем мух — «Жизнь мух» (1992). Он развил тему, которая встречалась у него до того только в рисунках, до настоящего монументального эпоса. Это было уже не одинокое маленькое насекомое, а целая мушиная цивилизация со своей историей и таинственными законами, по которым строились траектории полетов мух, способных образовывать в пространстве отдающие эзотерикой фигуры.
«Игра в теннис» (1996) – в теннис Кабаков играл два раза. В первый раз с художником Павлом Пепперштейном, концептуалистом младшего поколения. А второй раз — с философом Борисом Гройсом, который изобрел термин «московский романтический концептуализм». Оба были его давними друзьями и собеседниками. Работа, ясное дело, не про спорт, а про интеллектуальное соперничество и состязание остроумий. В теннис никто из участников играть не умел — зато в беседах об искусстве все были большие профессионалы. На черных досках мелом были записаны умные диалоги Гройса и Кабакова — а по итогам подач подводился счет.
Кабаков рассказывал, что, когда он рисовал детские иллюстрации на незнакомую тему — скажем, когда надо было изобразить эскимосский чум или какое-нибудь тракторное производство, — он представлял себе свой предмет так, как будто он смотрит на него сверху, из космоса. Затем, спускаясь в своем воображении все ниже, он мог уже рассмотреть и зарисовать детали. Привычка смотреть на все с точки зрения верховного существа осталась у Кабакова и в искусстве. Знаменитый «Табурет» (2001) сделан именно с этой позиции.
В 2000-е годы художник стал активно выставляться в России. В начале 2004 года Третьяковская галерея устроила программную выставку «Илья Кабаков. Десять персонажей». В июне 2004 года в Эрмитажев здании Главного штаба открылась выставка Ильи Кабакова и его жены Эмилии (они женаты с 1992 года) «Случай в музее и другие инсталляции», которая «знаменовала их возвращение на родину». Тогда же художники подарили музею две инсталляции, которые, по словам Михаила Пиотровского, положили начало эрмитажному собранию новейшего искусства. В декабре все того же 2004 года московская галерея «Стелла-Арт» показала девять инсталляций Кабакова, сделанных в 1994-2004 годах.
Когда в 2006 году в нью-йоркский музей Гуггенхайма отправилась программная выставка «Russia!», в нее была включена инсталляция Кабакова «Человек, который улетел в космос». Присутствие этой работы в одном пространстве с иконами Андрея Рублева и Дионисия, картинами Брюллова, Репина и Малевича окончательно закрепило за Кабаковым статус одного из самых важных советских и российских художников послевоенного поколения.
Грандиозной персональной выставкой «Альтернативная история искусств» открылся в 2008 году «Гараж». Ее можно считать апофеозом кабаковского трикстерства. Все огромное пространство Бахметьевского гаража было отдано под тщательно сделанную ретроспективу трех выдуманных художников — Шарля Розенталя, Игоря Спивака и Ильи Кабакова, — от имени которых настоящий Кабаков наделал неимоверное количество огромных холстов, написал им подробные биографии и даже сочинил про них занудные искусствоведческие статьи. Со своей манией тотальной всеохватности в этом проекте Кабаков попытался объять всю логику развития советского искусства разом.
Летом 2007 года на лондонских торгах дома Phillips de Pury & Company картина Кабакова «Номер люкс» была куплена за 2 миллиона фунтов стерлингов (около 4 миллионов долларов). Так он стал самым дорогим русским художником второй половины ХХ века.
В феврале 2008 года работа Кабакова «Жук» (1982) ушла с молотка на аукционе Phillips de Pury & Company за 2,93 миллиона фунтов стерлингов (5,84 миллиона долларов). В апреле того же года альбом «Полетевший Комаров» был продан на нью-йоркских торгах Sotheby’s за 445 тысяч долларов. Осенью 2008 года в Москве была показана самая большая ретроспектива Ильи и Эмилии Кабаковых. Экспозиция демонстрировалась сразу на на трех площадках: ГМИИ имени Пушкина, центр современного искусства «Винзавод» и центр современного искусства «Гараж».
Долгое время работал иллюстратором детских книг и журналов. Ввёл в художественный обиход понятие «тотальная инсталляция».
Живёт и работает в Нью-Йорке (на Лонг-Айленде) с 1988 года. С 1989 года работает в соавторстве со своей женой (и племянницей) Эмилией Кабаковой (урожд. Леках, род. 1945, Днепропетровск).
Резюме:
Работы находятся в Третьяковской галерее, Русском музее, Эрмитаже, МоMA, Kolodzei Art Foundation (США) и др.
Год рождения: 1933
Произведение: «Жук». 1982
Дата продажи: 28.02.2008
Цена (GBP)1: 2 932 500
Общая капитализация (GBP): 10 686 000
Средняя стоимость работы (GBP): 117 429
Число повторных продаж: 12
Источники: Wikipedia, artuzel.com, Арт кладовка, Arterritory.com, afisha.ru, art4.ru, РиаНовости, Artvalue.com, ARTINFO
Картины и инсталляции Ильи и Эмилии Кабаковых
Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!